Difundimos esto tan humano que nos justifica y nos acompaña desde el inicio de los tiempos, el arte.
En el año 2006, en la Galería Nacional de Arte de Varsovia, se realizó una exposición colectiva titulada «Pintura polaca del siglo XXI». Para esta exposición el pintor Leon Tarasewicz contribuyó con un trabajo de remodelación en la escalera del museo en un baño de salpicaduras de pintura roja, amarilla, azul y verde.
Este año 2018 se exhibió en la Plaza Mayor de Madrid con motivo de su «400 aniversario» esta escultura de la artista estadounidense Janet Echelman perteneciente a su colección «Earth Time» que se inició en el 2010.
Hasta el 20 de enero en el Caixa Forum de Barcelona tenéis una magnífica exposición que os teletransportará al París de entre siglos con «Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre».
Más de 350 obras cenidas de algunas de las colecciones públicas y privadas más prestigiosas del mundo en que veremos carteles, ilustraciones, impresiones y diseños del pintor Henri de Toulouse-Lautrec, además de piezas de Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard que favorecieron el nacimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.
La palabra museo proviene de la antigua Grecia Helenística, que es una derivación de la palabra “museium” que consistía en un templo sagrado de Atenas dedicado a las musas, que eran diosas de la memoria la sabiduría. Más adelante ya en el siglo III en la época de Ptolomeo se construyó un conjunto de edificios en su palacio de Alejandría en donde había un anfiteatro, jardín botánico, una colección de zoografía, una zona de estudio y trabajo, y la famosa biblioteca de Alejandría.
Más adelante ya en época del imperio romano empezaría a surgir un nuevo concepto, el de coleccionar obras de arte, muchas de estas expoliadas a partir del saqueo producido por las batallas de Siracusa y Corinto entre otras, para llevar muchas piezas a los templos romanos.
Durante toda la Edad Media las obras de arte formaban parte de las colecciones reales y de la iglesia y el papado, y a partir del siglo XIV comienza a nacer el mecenazgo en donde grandes casas como los Medici empiezan a tener grandes colecciones y a promocionar artistas bajo su nombre y a alardear de sus pertenencias y fortunas a la sociedad.
Es en Francia a partir de la revolución francesa donde todo cambia, y cuando Napoleón Bonaparte convierte museos como el Louvre en un estamento público, en donde los visitantes podrán entrar de forma gratuita durante tres días a la semana, además de preocuparse en comenzar a catalogar las obras y en destinar fondos para la conservación de estas y el enriquecimiento del museo.
A partir de este momento comienza a haber un cambio general en toda Europa y en el siglo XVIII el museo se convierte en algo público para el deleite y el disfrute del visitante.
Aunque a día de hoy es algo que esta cambiando, una de las diferencias más claras para diferenciar un museo de un centro de arte sería que a diferencia de los museos, los centros de arte carecen de colecciones permanentes, ya que estos solo toman obras prestadas y exhiben obras ajenas y tampoco tienden a coleccionar ni preservar obras de arte.
Para entender el concepto de centro de arte tenemos que tener en cuenta dos factores importantes. El primero sería la evolución que hay en los museos desde el siglo XIX hasta finales del siglo XX, ya que los museos pasarán a ser algo más que la muestra de obras de arte al visitante y comienzan a tener más espacios tanto para la conservación como para la restauración además de comenzar a dar más servicios para el visitante como auditorios, tiendas, restaurantes etc. El segundo factor sería como referencia las “Kunsthalle” alemanas, lugares conocidos como “salas de arte” muy expandidas por el norte de Europa en donde habían colecciones locales, simposios y talleres abiertos al público.
Por eso podríamos definir que las características del centro de arte es la de estar más dedicada a un tipo de investigación más creativa que la de un museo, proponer una nueva búsqueda permanente de practicar la museología y la museografía y utilizar el arte de una manera más pedagógica y popular para llegar al público, de una manera más lúdica y activa para la sociedad.
En el 2013, James Nizam presentó su obra «PIRÁMIDE» en la galería Brooffield Place (Vancouver).
Nizam es un artista efímero que altera el espacio en el que trabaja, utiliza la luz en todos sus trabajos como tema principal para lanzar su mensaje artístico al mundo y es un amante de la cámara de fotos analógica, con las que hace que sus obras perduren a través del tiempo.
A simple vista engaña al espectador, creyendo que es una escultura física en donde pueden haber diferentes tubos de luz o fluorescentes, pero que en realidad es un foco con neblina generada artificialmente y una serie de espejos colocados estratégicamente para conseguir esta forma piramidal exacta.
La idea de que sea una pirámide, es por las antiguas teorías de la percepción, que se explican normalmente en forma de dibujo con un triángulo o pirámide cuyo vértice se inicia en el ojo del espectador y se extiende la base hacia el exterior al objeto que se esta visualizando.
Gracias a el éxito que tuvo la exposición «Wassily Kandinsky; retrospectiva» el año pasado, la empresa italiana Arthemisia Group se ha animado a volver a apostar por Madrid con una exposición nunca antes presentada en España que hablará de uno de los grandes artistas y visionarios holandeses de época contemporánea, Maurits Cornelis Escher.
Es una exposición que además se celebra en un edificio emblemático de Madrid, el Palacio de Gaviria, en la hay expuestas un total de más de 200 obras, con xilograbados, litograbados, pinturas… y algunas de las piezas más reconocidas y que más fama le han dado al artista, como son Belvedere, Casa de escaleras o Mano con esfera reflectante, entre muchas otras.
Durante todo el recorrido haremos un viaje que nos trasladará desde la primera etapa italiana del artista hasta llegar a sus geometrías imposibles y infinitas. También veremos cómo influyó en su trabajo su paso por España, más concretamente por la Alhambra de Granada cuando conoció y vio de primera mano el arte mudéjar, algo que le inspiró para más adelante llevar a cabo sus grandes obras geométricas y su particular obsesion en no dejar un hueco libre en el lienzo.
La exposición se completa con áreas lúdico educativas para que los más pequeños y no tan pequeños puedan comprender mejor la difícil y maravillosa mente y obras de este artista, llenas de paradojas que nos dejan boquiabiertos dando la difícil tarea a nuestro cerebro de comprender lo que es incomprensible.
Nos os podéis perder esta maravillosa exposición que han tenido que alargar hasta el 24 de septiembre gracias a su buena acogida más información en la página web.
El día 08 de Agosto del año 2014, el artista chino Cai Guo-Quiang presentó su exposición «Elegy», con un sorprendente castillo de fuegos inaugural delante de la «Power Station of Art» en el río Huangpu de Shangai. Cai es uno de los artistas contemporáneos con más renombre y fama internacional, gracias a sus creaciones artísticas realizadas con pólvora.
El artista inicio sus estudios en la academia de teatro de Shangai, pero fue mientras vivió en Japón que comenzó a experimentar con la pólvora y el papel, y de ahí nació su inspiración en crear estas grandes obras en donde transformaría el cielo en un lienzo gigante, en donde la pólvora y los polvos de colores serían «el carboncillo y la pintura».
Cai es un artista polivalente que nos sorprende realizando «performances», vídeos, dibujos y composiciones escultóricas entre otros muchos trabajos, pero lo que para el es de verdad importante es el poder interactuar con el público, algo que viene influido por sus estudios en escenografía teatral.
Desde sus inicios quiso innovar y desvincularse del arte tradicional chino, buscando inspiración en el universo y en las grandes explosiones cósmicas, siendo un fan del trabajo de Carl Sagan.
Le encanta relacionar sus obras con la energía de la destrucción para dar vida de nuevo a la creación y en como la pólvora, algo utilizado para la guerra se transforma para dar expresión al arte y a la belleza.
